30 ZUM
QUADRAT

Meine fotografische Arbeit in Island kreist um den Versuch, komplexe inhaltliche Ebenen visuell zu verdichten. Die Landschaft wird dabei nicht als bloße Kulisse verstanden, sondern als ein dynamischer Raum, in dem sich geologische Zeit, klimatische Prozesse und subjektive Wahrnehmung überlagern.

Ich finde meine Motive in verschiedenen Stadtteilen. Das können Abbildungen von einem Spielplatz, einer Baustelle, einem Gebäude sein. Aber auch meine Wohnung kann sich als ein Motiv erweisen.

In meiner Arbeit untersuche ich das Verhältnis zwischen Ordnung und Auflösung, Positiv und Negativ, Klarheit und Irritation. Die Handprägung ermöglicht es mir, die Ausdrucksmöglichkeiten von Linie, Fläche, Struktur und Material zu erforschen.

In meiner künstlerischen Praxis verbinde ich Malerei mit textilen Ausdrucksformen und beschäftige mich mit Naturmaterialien, ihrer Herkunft, ihrem Ursprung und ihrer Veränderung im Laufe der Zeit.

Techniken Seit meinem Abschluss an der Willem de Kooning Academie in Rotterdam arbeite ich mit Ölfarben, Acryl und Aquarell. In den letzten Jahren habe ich mich auf die Aquarellmalerei und die Zeichnung konzentriert.

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Ich male großformatig und gegenständlich, manchmal wird es auch abstrakt oder eine Mischform von beidem. Wenn ich male, zeichne und drucke, interessiert mich das Lebendige: Menschen, Tiere und Wesen sind meine Motive.

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Geometrische Formen werden zu räumlichen Bildkörpern. Durch Schichtung, Licht und Material entstehen stille Kompositionen, die Ordnung und Bewegung zugleich vermitteln.

Für mich ist Kunst der Ausdruck der Seele. Sie verleiht Gedanken, Gefühlen und Erfahrungen eine sichtbare Form. Meine Werke entstehen aus Neugier, Leidenschaft und der Freude am Experimentieren.

Meine Bilder sind immer bunt, positiv und trotzig – gestaltet in Acryl mit Öl, vielschichtig und meist mit humorvollen Statements.

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“Ich male, um mit meinen Bildern eine weltweite, globale Kommunikation zu führen. Für mich ist Kunst eine internationale Sprache, die Unsichtbares vermag auszudrücken.“

„Ich mache Kunst, male Bilder & baue Skulpturen, weil ich es einfach machen muß! Es ist, etwas Unaussprechlichen eine Gestalt zugeben, es festzuhalten. Es ist eine Suche nach mir selbst.“

Die Geheimnisse von Körpern, Mikrostrukturen der Natur, Archetypen, Ursymbolen und Licht erzählen. Antrainierte Sehgewohnheit herausfordern.

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Als meine noch jugendliche Tochter eine Begleiterin für einen Aquarellmalkurs der Volkshochschule suchte, erklärte ich mich widerstrebend bereit. Ich ahnte nicht, dass in mir eine Leidenschaft geweckt werden und die Beschäftigung mit der Malerei mich mein weiteres Leben begleiten würde.

In meiner künstlerischen Praxis steht das textile Material im Zentrum. Ich erforsche Stricken und Häkeln als eigenständige künstlerische Medien und Formen des Denkens.

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Menschen und ihr Umgang mit dem Dasein faszinieren mich, weil sich in jedem eine Mischung aus Individualität und gesellschaftlicher Norm findet. Das macht sie zu Persönlichkeiten, deren Handlungen und Körperhaltung trotzdem für viele Betrachter ohne Worte lesbar sind.

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Unser gemeinsames Projekt soll die Schönheit der Mathematik demonstrieren. Das wird bei der Beschreibung der Projekte klar. Es hat uns überrascht, dass es so einfach war, auch das 30x30x30 für die Holzskulpturen einzuhalten!

Acryl, Öl, Collagen mit anderen Materialien, in letzter Zeit auch Holz und Stoff. Meist entstehen skurrile Figuren in kräftigen Farben. Viecher, die gute Laune machen.

Meine Arbeit beginnt mit einer Zeichnung auf Papier, die ich digital weiterentwickle. Anschließend übertrage ich die Motive auf Leinwand oder Fine-Art-Papier und bearbeite sie von Hand.

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Im Zentrum der künstlerischen Arbeit steht die Auseinandersetzung mit gesammelten Kunststoffmaterialien: Treibgut aus Netz- und Seilresten sowie angespülte Plastikfragmente werden mit Malerei, Grafik und Bildhauerei verbunden.

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Sie fühlt sich zuhause in der Druckgrafik und in der Collage. Sie beschäftigt sich mit der eingereichten Arbeit mit dem Thema Reizüberflutung und dem ständigen Blick der Gesellschaft in den sozialen Medien.

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Mich interessiert, wie sich Wahrnehmung verändert, wenn Bilder materiell werden. Textile Oberflächen laden dazu ein, nicht nur gesehen, sondern fast körperlich gelesen zu werden.

Der Künstler Alwin Dorok stellte sich sehr früh die Grundsatzfrage, was ein Bild zum Bild macht, bzw. was Malerei ist. Er ist der Überzeugung, dass man jede Art von Malerei unabhängig von Inhalt oder Stil auf drei Elemente reduzieren kann, Form, Farbe und Duktus.

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Die Inspiration für meine Serie „lecker“ finde ich bei Tellern der gehobenen Gastronomie. Farben und Stifte auf Papier, 30×30 inkl.

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In meinen Arbeiten setze ich mich mit der realen Welt auseinander: Momente des alltäglichen Lebens werden eingefangen und neu konstruiert. So entsteht ein Experimentieren in einer Sphäre zwischen Realismus und Abstraktion.

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„Intuition, Abstraktion, Experiment und Humor – meine freien Linien schaffen neue Formen.“

Schon in jungen Jahren verewigte FLVCKZ seine Helden aus Dragon Ball Z in seinen Hausaufgabenheften. Später prägten Graffiti und Streetart seinen Stil. Heute verbindet seine Kunst Einflüsse von Mangakas wie Takehiko Inoue und Hajime Isayama mit dem Surrealismus von Salvador Dalí und René Magritte.

Über weibliche Weltsicht, Universalität, Freiheitsliebe und Entfaltung: Marianne Fritz erforscht als freie Erzählerin Ursprünge der Weltkulturen. In mündlich überlieferten Gesängen, Schöpfungsmythen und Märchen spürt sie Motiven, Rhythmen und Mustern nach.

In den letzten Jahren arbeite ich nur noch auf Papier mit Kohle, Pastell oder Feder und Tusche. So auch hier: Es sind Ausdrucksporträts von Affen, beschränkt auf das Gesicht.

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Ich entwickle mit Aquarellstiften und Bleistift ausgeführte Bildwelten auf unbehandelten Holzplatten, in denen flüchtige Alltagsmomente im Mittelpunkt stehen.

Dieses Werk ist kein Selbstporträt, sondern ein Echo. Surreale Fragmente eines inneren Raums, in dem Dunkelheit nicht das Ende, sondern der Anfang der Suche ist.

Mich beschäftigen und berühren menschliche Themen, die ich oft situativ erfasse und mich in Bildern, oft auch Serien, damit auseinandersetze. Dabei möchte ich die Interpretationen gerne dem Betrachter überlassen, die sich oft darin wiederfinden und emotional berührt sind.

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Ordnung trifft auf Zufall Farben überlagern sich. Linien verschwinden wieder. Flächen verdichten sich und lösen sich im nächsten Moment auf. Pegah Gohlkes Malerei lebt von diesem Wechsel zwischen Kontrolle und Offenheit.

Grote setzt sich mit dem Thema „Zeit“ und „Veränderung“ auseinander, welche sie sinnlich-beobachtend und kritisch in verschiedenen Medien an unterschiedlichen Orten auslotet.

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Meine künstlerische Praxis beginnt mit einem Studium, das mein Denken im Raum verankert hat, bevor die Farbe zu meinem Ausdrucksmittel wurde: Innenarchitektur an der Akademie der Bildenden Künste München.

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Shanon Guths künstlerische Arbeit kreist um die Frage, wie wir erinnern, wahrnehmen, formen und verändern. Sie interessiert, wie Bilder zugleich als Projektionsflächen, Spiegel und Konstruktionen funktionieren, an der Grenze zwischen Realität und Vorstellung.

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Meine Kunst bricht die klassische Zweidimensionalität der Leinwand auf. Durch das bewusste Schichten, Reißen und Verdichten von Papier in engen Strukturen führe ich die Fläche in den Raum.

Meine künstlerische Praxis erforscht das Zusammenspiel von Mythen und kunstgeschichtlichen Traditionen durch Aktualisierung in zeitgenössische, von der digitalen Welt inspirierte Bildwelten.

Mit meiner Malerei möchte ich die Schönheit von Dingen des täglichen Lebens oder Situationen ins Bild setzen, die mich faszinieren und ihnen somit Gewicht verleihen.

Ich komme aus dem textilen Sektro und habe mich sezialisiert auf die Fraente der Fadentechnik und der Nadelmalerei in Kombination mit der comicartigen Malerei.

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In meiner aktuellen künstlerischen Entwicklung beschäftige ich mich mit dem, was unter der sichtbaren Oberfläche liegt. Mich interessieren innere Zustände, leise Veränderungen und die Frage, wie Wahrnehmung unser Erleben formt.

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„Es ist der stetige Wandel von Allem, der mich beschäftigt. Es sind Aspekte von Manifestation und Auflösung, Verbindung und Loslassen, Berührung und Abstand – und Ruhe, die ich in meinen Arbeiten thematisiere.

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Ich male Dinge, die ich schön finde. Dinge, die ganz nah sind oder die ich auf Reisen finde. Tiere, die spannend für mich sind oder Menschen, die eine ausdrucksstarke Mimik haben.

Die Poesie des Prozesses liegt darin, eine Farbe für einen Ort zu finden, den richtigen Ort einer Farbe zuzuordnen – wie das Schreiben einer Partitur. Das kontinuierliche Fortschreiben und ständige Neuansetzen führt zu einem Bild.

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Zu Beginn eines jeden künstlerischen Prozesses steht bei mir eine Idee, die sich von einem inhaltlichen Thema oder aus dem Material heraus entwickeln kann.

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Christian Honstein arbeitet mit vielen Medien und nutzt stets das enge Verhältnis von Kunst und Architektur. In Skizzen, Aquarellen und Linoldrucken geht er Orten, Typologien und der Topografie auf die Spur.

Gedanken Austausch: Würfel im Quadrat Quadrate sind in der Wissenschaft, in der Architektur, in der Religion, im Alltag und in der bildenden Kunst vielseitig vorhanden.

Meine Arbeit beginnt mit dem Stöbern in Kisten mit aufbewahrten Papieren und Objekten. In der richtigen Stimmung folge ich meiner Intuition und kreiere poetische Bildwelten.

Ich halte fotografische Ausschnitte malerisch fest, ohne die Situation ganz zu erklären. Bildstörungen machen die Vermittlung selbst zum Motiv.

Meine Bilder entstehen in Schichten. Dabei geht es mir darum, Wesentliches herauszuarbeiten. Die Idee entsteht im Tun und manchmal bin ich selbst überrascht, was sich dabei zeigt.

Tiere, Menschen und Natur sind Motive, zu denen ich immer wieder zurückkehre. Mich interessiert dabei nicht nur ihre Darstellung, sondern das, was hinter einem Motiv steckt – Charakter, Bewegung, Beziehungen und Geschichten.

Im Dialog zwischen mir und den Bildern entsteht etwas Neues. Das Neue ist es, was mich interessiert und was ich zeigen und teilen möchte

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In Mischtechnik auf Holz malt Manuel Kolip seine Motive nach Vorbild von spontan aufgenommenen Fotos. In seinen Gemälden zeigt er seinen Blick auf unsere Welt.

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Zwischen Konstruktion und Dekonstruktion In meinen Collagen von Blüten und Stillleben spiele ich in mit den Sehgewohnheiten der Betrachter. Aus dem ursprünglichen Kontext gerissen, entpuppen sich bei genauem Hinsehen die Blüten in Fragmente von ganz unterschiedlichen Ausgangsmaterialien.

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Das Format eint hier Arbeiten aus verschiedenen Werkserien. Allen gemein und auch sonst Merkmal meiner Arbeit ist ein spielerisches Nachdenken über das Wesen der modernen Kunst und ein Ausloten ihrer Möglichkeiten und Grenzen.

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Heike Kreyßing kreiert Schmuckobjekte an der Schnittstelle von traditioneller Textilkunst und Naturverbundenheit. Es entstehen Einzelstücke, die Naturmaterialien durch textile Techniken in tragbare Skulpturen verwandeln.

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Ich möchte mit meiner Kunst erfreuen, überraschen, polarisieren und gleichzeitig dazu einladen sie auf sich wirken zu lassen, sie zu erkunden, darüber nachzudenken und für sich zu interpretieren.

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Mit ihren Bildern stellt Kuhn ein Innenleben der Abgebildeten Figuren dar. Der Betrachter bekommt, als würde er durch ein Schlüsselloch schauen, einen kleinen Eindruck von einem persönlichen Moment des Gemalten.

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Ich untersuche Wahrnehmung, Vergänglichkeit und Konsum. Durch Reduktion und serielle Prozesse entstehen neue Perspektiven auf das Alltägliche.

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In fragmentierten Portraits zeige ich die Unvollkommenheit des Menschen: ich ersetze einzelne Körperteile, tilge einige oder verforme sie. Das erzeugt Irritation und steht einer aktuellen Weltsicht nach Optimierung entgegen, die durch eine ubiquitäre Künstliche Intelligenz genährt wird.

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Meinem Ansatz liegt ein Vorwärtsfühlen zugrunde, in dem es um ein emotionales Begreifen geht und nicht um eine kognitive Erklärung. Die Elbe verbindet im Dreier-Rhythmus Glückstadt *km674, Magdeburg *km327, die Grenze *km0 und ihre Quelle in Tschechien *km371.

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In ihrer Kunst beschäftigt sich Eva Lause mit den sichtbaren und unsichtbaren Spuren, die chronische Erkrankungen und das Leben auf und in Körpern hinterlassen.

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Kerstin Lehnert beschäftigt sich seit vielen Jahren mit Textilgestaltung. Für 30 ZUM QUADRAT entwickelte sie kleinformatige Quilts, darunter Arbeiten mit Maschinenstickerei. In ihren Serien greift sie unter anderem geometrische Formen und das Bauhaus auf.

Ich beschäftige mich hauptsächlich mit psychologischen Themen. Die Serie „The Anatomy of Violence“ setzt sich mit toxischer männlicher Gewalt auseinander, mit typischen Beziehungsmustern und ihren Ursprüngen in destruktiven Beziehungen.

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Meine Malerei beschäftigt sich mit der Beziehung zwischen Mensch und Natur sowie mit der Dimension von Zeit. Inspiriert von Landschaften, Wasser und geologischen Formationen entstehen reduzierte Bildwelten, die Raum für eigene Gedanken und Assoziationen lassen.

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Ich male Figuren, die ich zu erinnern glaube. Im Kern meiner Arbeit steht dabei die Überzeugung, dass wir uns in Erinnerungen wiedererkennen, die nicht die unseren sind.

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Meine Arbeiten basieren auf einer haptischen Materialsprache: mineralische Oberflächen, strukturelle Spannung und langsame Verfallsprozesse. Pigmente, matte Texturen und geschichtete Erdtöne bilden den Kern.

Mit der Serie „Ohren“ forme ich meine Eindrücke eines Gegenübers. Ich folge einer Wahrnehmung, bei der das akustische Verstehen übersprungen wird und unmittelbar ein inneres Bild oder Gefühl entsteht – ein Phänomen, das sich in meinem Vorgehen spiegelt.

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In meiner Malerei untersuche ich die Spannung zwischen innerer Wahrnehmung und äußerer Realität. Ausgangspunkt sind persönliche Erfahrungen, Beobachtungen und gesellschaftliche Zustände, die sich in figurativen, surrealen und atmosphärisch verdichteten Bildräumen überlagern.

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Meine künstlerische Arbeit beginnt häufig mit dem Vorgefundenen. Fundstücke, gebrauchte Materialien und scheinbar Überflüssiges werden zu Ausgangspunkten für eigenes künstlerisches Forschen und Arbeiten.

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In ihrer künstlerischen Praxis untersucht Moru die Übertragung der strukturellen Logik sowie der körperlichen und taktilen Sensibilität der Druckgrafik in Code.

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Meine künstlerische Praxis verbindet abstrakte Malerei, keramische Bildobjekte, Objekte, Papierarbeiten und Installationen zu thematischen Zyklen. Ausgangspunkt ist mein tief verankerter Forscher- und Entdeckergeist.

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In meiner künstlerischen Arbeit verbinde ich digitale Collage und Mixed Media zu einer visuellen Auseinandersetzung mit Psychologie und menschlichem Erleben.

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Mimi Mynzs künstlerische Werke sind geprägt von Sehnsucht, Identität und Heimat. Der vertraute Plattenbau indem sie aufgewachsen ist, wurde zum Sinnbild ihrer Wurzeln und Herkunft.

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Über das Kreativsein erschaffe ich mir „kleine (M)auszeiten“. Außerdem haben mich die Werke von Art Spiegelmann bereits in meiner Jugend geprägt und meinen Blick auf die Maus als menschliches Sinnbild beeinflusst.

Nick malt mit wechselnden Techniken, vorwiegend Acryl auf Leinwand.

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VENUS STUDIES Venus steht für mich nicht für ein Ideal, sondern für ein Spannungsfeld: zwischen Sichtbarkeit und Rückzug, Projektion und Eigenständigkeit. Seit vielen Jahren beschäftige ich mich mit dem weiblichen Sein.

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Im Zentrum ihrer Arbeit steht die Kraft der Farbe. Für Lin Yang wirken Farben unmittelbar auf Psyche, Kultur und Wahrnehmung – sie eröffnen einen Zugang zu Emotionen, Gedanken und Erfahrungen, die sich sprachlich nur schwer fassen lassen.

Ein bekannter Fotograf sagte: Wenn deine Bilder nicht gut genug sind, warst du nicht nah genug dran. – Robert Capa –

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Bilder sagen mehr als tausend Worte. Mit meinen Bildern drück ich meine Gedanken und Emotionen aus und wünsche mir, dass diese ungefiltert beim Betrachter ankommen.

Mit einem Tuschestift zeichne ich auf Papier in einer sich kontinuierlich wiederholenden Handbewegung. Form und Farbigkeit entwickeln sich dabei schrittweise aus dem Zeichenprozess heraus.

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Perkas ist eine konzeptuelle Künstlerin und arbeitet abstrakt in unterschiedlichen Richtungen (Malerei, Collage, Monotypie). Die Abstraktion ihrer Arbeiten ist immer im Leben verankert, da sie sich mit den Projektionen der Gefühle, Gedanken, Erlebnisse und Augenblicke in die Bilder, mit den Übersetzungen der Emotionen in die Kunst-Sprache beschäftigt.

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In der Regel fotografiere ich monochrom. Die Bilder werden so auf Formen, Kontraste und Strukturen reduziert, wodurch der Blick auf das Wesentliche gelenkt wird.

In meinen Arbeiten beschäftige ich mich mit dem Kreislauf des Lebens und Transformationen, die in der Natur dem Rhythmus der Jahreszeiten folgen und sich menschlich in äußeren Handlungen oder inneren Prozessen zeigen.

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Ich liebe es in meinen Illustrationen verspielte, witzige und träumerische Szenerien zu erfinden. Es gibt viele Geschichten in den Details der Bilder zu entdecken.

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Zum Glück stehen nur zwei Dinge fest: Die Mutter und der Tod. Alles andere wackelt, fällt, fliegt und überhaupt – ist einfach nicht zu fassen.

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Nadine Respondek´s Ausdrucksformen sind die Zeichnung, das Buch, verschiedene grafische und druckgrafische Techniken sowie plastische Objekte. Themen wie das Wesen des Menschen mit seinen Abgründen, Schwächen und Ängsten finden Eingang in ihren vielseitigen Werken.

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Das Medium ergibt sich aus Idee und Recherche. Ausgangspunkt ist fast immer ein politischer oder soziologischer Impuls. Meine Arbeiten wurden mit Fluxus, Brecht oder empirischen Sozialstudien verglichen.

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Meine Malerei erkundet den Raum zwischen Erinnerung, Emotion und Transformation. Ich arbeite intuitiv und lasse Kompositionen durch Schichten entstehen, die sich überlagern, verschwinden und wieder hervortreten.

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Begleitperson für sehbeeinträchtigte Menschen. Ständig an falsche Türen klopfen, Hoffnung ohne Grundlage, ohne Träume. Bittere Früchte vom sterbenden Baum des neoliberalen Kapitalismus.

Setting Fire, 2026 – Mixed Media Assemblage mit Polaroid und Metall “Setting Fire” besteht aus Quadraten, die aus Polaroid Fotos ausgeschnitten und mit Silberdraht neu zusammengesetzt sind.

Malen ist für mich wie Yoga, ich mag das komplette Eintauchen und den Flow. Das Schöne an dem Prozess ist, zu sehen wie die anfängliche Idee wächst, sich verändert, Farbe, Form und Fragmente zu einer eigenen Sprache werden – wie manches sichtbar wird, anderes verborgen bleibt oder wieder überdeckt wird.

Anke Rothe entdeckt ihre fotografischen Motive überwiegend im alltäglichen Umfeld, mit ständig wachem Blick und fast kindlicher Unvoreingenommenheit. Narrative Serien lassen der Interpretation großen Raum.

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Ich male, bis das Ergebnis etwas offenbart, mich selbst überrascht und meinen Blick auf die Welt in Malerei sichtbar macht. Ausgehend von Motiven der Architektur, von Personen oder auch Vorgefundenes wie die Schullandkarten, entwickle ich Bildvorstellungen im Ringen um Farbe, Form, Material, Ordnung und Zufall.

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Kern meiner Arbeit sind großformatige, abstrakte Gemälde mit roher Ästhetik. Sie bewegen sich in einem Spannungsfeld zwischen Schönheit und Reibung, was sie davor bewahrt, in das rein Dekorative abzugleiten.

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Ein zentrales Merkmal und Anliegen meiner Architekturfotografie, „looking up“ Deckenansichten kultureller Gebäude, ist die intensive Auseinandersetzung mit dem Thema Raum.

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Das Heimatgefühl meiner Familie zu einer mir fremden Stadt (Balchasch, Kasachstan) ist stets präsent. Als einzige am Esstisch kenne ich den Herkunftsort meiner Familie nur aus Erzählungen und Fotografien.

Meine kleinformatigen Arbeiten bestehen durch starke Farben und Kompositionen mit aussagekräftigen Schlagwörtern und Affirmationen. Diese stehen für Mut, Vielfalt, Mindest, Kraft und Vertrauen in sich selbst.

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Im Zentrum meiner künstlerischen Arbeit steht die Auseinandersetzung mit dem inneren Wesen der Dinge und den verborgenen Zusammenhängen zwischen Mensch, Natur und Welt.

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In der Biochemie beschreibt der Begriff der Verstoffwechslung den Auf-, Ab- oder Umbau von Nährstoffen innerhalb der Zellen. Übertragen auf unsere künstlerische Zusammenarbeit nimmt dieser Ausdruck eine programmatische Bedeutung an: Er verweist auf eine Herangehensweise, die tief in den Prinzipien der Transformation und Metamorphose verankert ist.

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In meiner Arbeit steht das Leben im Mittelpunkt: der Weg, den jeder Mensch geht, was wir unterwegs erleben und wie Erfahrungen uns prägen. Das Leben hinterlässt Spuren – sichtbare und unsichtbare.

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Meine Arbeiten verbinden Cyanotypie auf Stoff mit Stickerei, um biografische Narrative und Wachstumsprozesse collageartig zu verdichten. Durch Sonnenlicht oder künstliches Licht erzeuge ich einzigartige Blautöne, die Vergänglichkeit und Erinnerung widerspiegeln.

Meine künstlerische Arbeit dreht sich ganz um den Farbholz- und Linolschnitt. Seit 2015 arbeite ich in der Technik der „verlorenen Platte“, einer Methode, bei der jede Farbschicht eines Druckstocks nach dem Druckvorgang unwiederbringlich abgetragen wird.

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Die Arbeiten sind eine Experimentelle Zeichnung, die mit einem Objekt erschaffen wurde. Dabei verformt sich das Objekt zunehmend (es aus Aluminium besteht), das Material verdichtet sich und somit auch die zu bezeichnete Struktur.

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„Hravljalky“ ist eine Serie von Aquarellen auf Papier, entstanden aus der Beschäftigung mit der Geschichte der Puppe. Der ukrainische Titel ist ein Wortspiel aus „гра“ (Spiel) und „ляльки“ (Puppen).

In ihrer künstlerischen Arbeit beschäftigt sich Yulia Piskunova mit inneren Zuständen und den oft unsichtbaren Spannungen menschlicher Beziehungen. Themen wie Nähe, Abhängigkeit, Kontrolle, Erinnerung und Selbstschutz ziehen sich durch ihre Arbeiten.

Carola Zeisbrich – Charmante Sticheleien Carola Zeisbrich stichelt mit Nadel, Faden und manchmal auch mit Worten. Mal charmant, mal melancholisch, aber immer mit einem feinen Gespür für Zwischentöne.

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Micaela Zellhofers Papierarbeiten entstehen im Prozess von Konstruktion und Dekonstruktion und thematisieren die Transformation geometrischer Ordnungen. Papier wird dabei als räumliches und strukturelles Medium untersucht: Geometrien werden erzeugt, zerlegt, zerschnitten, überlagert und neu gefügt.

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Malen und Zeichnen sind für mich meditative Handlungen. Sie dienen nicht in erster Linie dem intellektuellen Ausdruck, sondern eröffnen einen Raum für Präsenz, Selbsterkenntnis und Entschleunigung.

Meine Arbeiten untersuchen Hhythmus und Verdichtung als t-ormen von Wahrnehmung. Ausgangspunkt ist ein Kaltnadelverfahren, welches ich auf PE-beschichtetem Abdeckpapier zu einem druckgrafischen Unikat weiterentwickle.

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Meine Arbeit reicht von realistischer Darstellung bis zu grafischer Abstraktion von Portraits, Landschaften und Tierdarstellungen, allein oder in Kombination.